domingo, 23 de julio de 2017

Mis películas favoritas (40). Top 400 My Favourite Movies (1) - LISTA COMPLETA: MIS 400 PELÍCULAS FAVORITAS. Dedicatoria. Autobiografía Fílmica - Autobiography in films. Francisco Huertas Hernández


Mis películas favoritas (40)
Top 400 My Favourite Movies (1) - LISTA COMPLETA: MIS 400 PELÍCULAS FAVORITAS
Dedicatoria
Autobiografía Fílmica - Autobiography in films

Francisco Huertas Hernández




"Antoine et Colette" (L'amour à vingt ans) (1962). François Truffaut
Jean-Pierre Léaud (Antoine Doinel) et Marie-France Pisier (Colette)
Si ahora me dijeran que eligiese una película en la que me sintiese totalmente identificado sería ésta: ahí está casi todo lo que yo he amado o sido: París, el amor, los discos, las tiendas de discos, la fabricación de discos, Philips (la empresa en la que trabajaba mi padre en París), los pick-ups (tocadiscos) Philips de maletín (como el que mi padre trajo de Philips de París y con el que yo empecé a escuchar discos), los conciertos, la música contemporánea, los libros de autores clásicos como el amado Balzac de Antoine, la televisión, la amistad, la libertad, las ventanas, Beethoven, Brassens, Montmartre, la insumisión al ejército, y otras cosas que no pueden decirse. "Yo soy Antoine Doinel", y aunque esto lo hayan dicho miles de muchachos de distintas décadas, yo puedo decirlo con mayor razón


 Lo que he aprendido y vivido está en estas 400 películas. Quiero dedicarle esto a muchas personas: a Inma, que me enseña la luz y el calor de las vocales (cómo los países cálidos desarrollaron lenguas más vocálicas), a mi madre, a mi padre que ya no está, a Ricardo, a mi abuela -Mami-, a Isabelita, a Mari Carmen, a mi tío Paco, a Félix, a Miguel Ángel que ya no está, a Federico, a Laurent, a Jean Marc, a Marianne, a Adolfo -el primer amigo de la infancia palentina-, a Herminio, a mi tío Pedro, a Antonia, a Maite -en Vic-, a los amigos lejanos de la Universidad: Reyes, Emilio, Jesús y otros, a Francesc -del que tanto he aprendido- y sus amigos Santi, Vicent, a Emilio, a mis queridos alumnos de 2º de Bachillerato que se graduaron este año, en especial: María, Jorge, Miguel Ángel, AndreaDani, Lucía, Natalia, AinhoaJaviBlanca, Paula, Mónica, y otros más, a Juan el metafísico, a Ana -aquel curso en el Jorge Manrique-, a Fernando -que se jubila al fin-, a Isidre, a René -padrino francés-, a Antoni -mi amigo de Cervera-, a Pepe y Eugenio -amigos de La Unión-, a mi prima Marisa -en Brooklyn-, a mis tíos, a mis primos, a mi bisabuela Mañe -¡¡¡la única persona que he conocido que nació en el siglo XIX!!!-
 Ahí va esa lista QUE, EN REALIDAD, ES MI VIDA


"La Peau Douce" (1964). François Truffaut


 Una cosa que siempre me agradó, y parece que tengo en común con los internautas, es mi gusto por las listas y clasificaciones. Recuerdo que ya de niño hacía yo listas de músicos, de países con capitales y banderas, de actores o de ajedrecistas. Una lista -que algún día buscaré y subiré a este blog- contiene mis músicos y grupos favoritos. La confeccioné en 1985 en las clases de la universidad.

 Vengo pensando desde hace un tiempo en hacer algo así como una AUTOBIOGRAFÍA FÍLMICA. Es decir, no las mejores películas que he visto, ni las que más éxito tuvieron, sino aquellas que, más allá de su reconocimiento por la crítica o el público, pertenecen a mi formación como persona, con las que me identifiqué especialmente, o me conmovieron emocional o intelectualmente.
 No sólo pertenecen a mi infancia o adolescencia, sino que, como la vida, discurren como los pasos que uno da, desde la cuna a la sepultura, a lo largo de los días y las noches de toda mi existencia.

 Últimamente me está dando por comprarlas en DVD o Blu Ray, porque es una manera de verme en el espejo de mi conciencia estética y moral. Siempre he dicho que las cosas que a uno le gustaron una vez siguen gustando siempre. Pocas personas comparten esta proclamación de lealtad al yo que fuimos. Pero para mí las distintas capas cronológicas del crecimiento van superponiéndose, no anulándose o sustituyéndose.Es una visión más geológica que histórica.

 Por otro lado creo que estas películas que relacionaré son buenas películas, y, por eso, imagino que encontrarán en otras personas identificaciones paralelas, no necesariamente generacionales, porque el gran arte trasciende los estrechos límites de las modas de una época o una nación.

 Ahí van, pues, algunos de esos filmes, que me identifican, con los que me identifico, y no por verme reflejado en sus personajes o en su trama, sino más bien en la mirada del director, que "esculpe el tiempo" -como escribía Tarkovski- para hacernos más felices o autoconscientes.



"La Peau Douce" (1964). François Truffaut


"La Peau Douce" (1964). François Truffaut





"Lost Horizon" (1937). Frank Capra


"Lost Horizon" (1937). Frank Capra




"Las bicicletas son para el verano" (1984). Jaime Chávarri


"Las bicicletas son para el verano" (1984). Jaime Chávarri





"The Swimmer" (1968). Frank Perry, Sydney Pollack


"The Swimmer" (1968). Frank Perry, Sydney Pollack





"Fulano y Mengano" (1959). Joaquín Luis Romero Marchent


"Fulano y Mengano" (1959). Joaquín Luis Romero Marchent






 - "Vivre sa vie" (1962). Jean-Luc Godard


"Vivre sa vie" (1962). Jean-Luc Godard





"Arrebato" (1980). Iván Zulueta


"Arrebato" (1980). Iván Zulueta




 - "Room at the Top" (1959). Jack Clayton


"Room at the Top" (1959). Jack Clayton





 "Алекса́ндр Не́вский" ("Alexandr Nevsky") (1938). Сергей Михайлович Эйзенштейн (Sergei Mijailovich Eisenstein)


"Алекса́ндр Не́вский" (1938). Сергей Михайлович Эйзенштейн 





"Elisa, vida mía" (1977). Carlos Saura


"Elisa, vida mía" (1977). Carlos Saura


 Ésta ha sido la primera tanda de películas que me han venido a la mente, y que han significado algo para mí. Considero, además, que son muy buenas películas, aunque alguna pueda provocar sonrisas -"Fulano y Mengano", una sorprendente yvaliosísima película neorrealista española-.
 En todo caso son las cintas que forman parte de mi biografía fílmica.



"Nunca pasa nada" (1963). Juan Antonio Bardem

 He repasado en mi memoria estos días aquellas películas que me impactaron, y sí, es verdad que las vistas en la infancia, adolescencia primera juventud tienen un halo mágico -como el del comenzar, que escribía Cesare Pavese"L'unica gioia al mondo è cominciare. È bello vivere perché vivere è cominciare, sempre ad ogni istante".

 Y las imágenes en movimiento son el comenzar de una vida imaginada por otros, pero que, por los milagros de la identificación y la proyección psíquicasacaban siendo nuestra propia vida.
 Comenzamos siempre, al apagarse las luces de la sala, a vivir: comenzamos a ser felices. Con esa felicidad de lo lejano, que, sin embargo, es nuestro, pues responde a nuestros más secretos temores y esperanzasdeseos y recuerdos.

 En el cine es más bello vivir (Frank Capra) porque en el cine el recomenzar es nuevo en cada película, en cada encuadre, en cada plano. Los ojos de Bette Davis siempre nos miran. Las piernas de Barbara Stanwyck siempre nos turban. Antoine Doinel -¡perdón: Jean-Pierre Léaud!- siempre es la infancia. 

 Ésta es la segunda tanda de filmes que no sólo me educaron sentimentalmente, sino que me hicieron lo que soy.



 - "Nunca pasa nada" (1963). Juan Antonio Bardem



"Nunca pasa nada" (1963). Juan Antonio Bardem



 - "The apartment" (1960). Billy Wilder



"The apartment" (1960). Billy Wilder



 - "El Desencanto" (1976). Jaime Chávarri




"El Desencanto" (1976). Jaime Chávarri



 - "Ossessione" (1943). Luchino Visconti



"Ossessione" (1943). Luchino Visconti



 - "El día de la Bestia" (1995). Álex de la Iglesia



"El día de la Bestia" (1995). Álex de la Iglesia



 - "Gertrud" (1964). Carl Theodor Dreyer



"Gertrud" (1964). Carl Theodor Dreyer



 - "Passione d'amore" (1981). Ettore Scola



"Passione d'amore" (1981). Ettore Scola



 - "Days of Wine and Roses" (1962). Blake Edwards



 "Days of Wine and Roses" (1962). Blake Edwards



 - "The man who shot Liberty Valance" (1962). John Ford



"The man who shot Liberty Valance" (1962). John Ford



 - "La gran familia" (1962). Fernando Palacios



"La gran familia" (1962). Fernando Palacios



"I Vitelloni" (1953). Federico Fellini


   Publicadas anteriormente: 
 - Mis películas favoritas. Autobiografía fílmica - Francisco Huertas Hernández
 - Mis películas favoritas (2). Autobiografía fílmica - Francisco Huertas Hernández



 Continuaré con la listaazarosa en cuanto cabe, de las películas que me marcaron, bien en mi infancia, bien en tiempos recientes.
 Cualquier lector caerá en la cuenta de que abundan los largometrajes vistos en la televisión, y, recientemente, en DVD. No parece la contemplación doméstica la que hace al cinéfilo. No lo era, al menos, en la época gloriosa del cine -en los años cuarenta, cincuenta, sesenta-, cuando los niños descubrían la magia del celuloide en salas abarrotadas con olor a pipas y a Mirinda, en cintas censuradas y dobladas.
 Pero es que a mí el cine -como arte- me parece haber muerto hace años. Algunos buenos títulos, que no pueden igualarse a los "maestros", siguen llegando a las pantallas de las multisalas de los centros comerciales, en el mejor de los casos.
 Las filmotecas oficiales y las "caseras" -esos DVD y Blu Ray, en España tan difíciles de encontrar- nos permiten recuperar a esos "maestros" o descubrirlos. Yo leía embelesado la "Historia del Cine" de Román Gubern, en los tomos de bolsillo de Guadarrama, y muchas de esas películas son las que ahora puedo ver en casa.
 Los años de Pilar Miró al frente de Televisión Española fueron gloriosos para los amantes del cine, con la programación de ciclos de grandes directores. Creo que algunas en versión original. Eso era en la década de los ochenta -la de la movida-, cuando el cine ya era cosa del pasado.
 Muchas de las cintas que aparecen en mi "autobiografía fílmica" son de esa época.
 En todo caso, el cine sigue siendo cine, visto en la sala o en el salón. Lo que realmente ahora no tolero es el doblaje, lo que me aleja de las salas de cine españolas. Y volver a ver aquellas películas que me marcaron con las voces de los actores no hace sino acrecentar su valor, su magia, aunque sea en un reproductor de DVD.


 "I vitelloni" (1953). Federico Fellini


"I vitelloni" (1953). Federico Fellini




 - "The Private Life of Sherlock Holmes" (1970). Billy Wilder



"The Private Life of Sherlock Holmes" (1970). Billy Wilder



 - "Función de noche" (1981). Josefina Molina



"Función de noche" (1981). Josefina Molina



 - "Smultronstället" (1956). Ingmar Bergman


"Smultronstället" (1957). Ingmar Bergman



 - "Heaven Can Wait" (1943). Ernst Lubitsch


"Heaven can wait" (1943). Ernst Lubitsch



 - "Jeremiah Johnson" (1972). Sydney Pollack


"Jeremiah Johnson" (1972). Sydney Pollack



 - "Les Enfants du paradis" (1945). Marcel Carné


 "Les Enfants du paradis" (1945). Marcel Carné
1er époque: "Le Boulevard du Crime"


 "Les Enfants du paradis" (1945). Marcel Carné
2º époque: "L'Homme Blanc"



 - "Midnight Cowboy(1969). John Schlesinger


"Midnight Cowboy(1969). John Schlesinger



 - "Il Vangelo secondo Matteo" (1964). Pier Paolo Pasolini



"Il Vangelo secondo Matteo" (1964). Pier Paolo Pasolini



 - "Du Rififi chez les hommes" (1955). Jules Dassin


"Du Rififi chez les hommes" (1955). Jules Dassin



 - "Баллада о солдате" (1959). Григорий Наумович Чухрай 
 ("Balada del soldado" (1959). Grigori N. Chujrai)


"Баллада о солдате" (1959). Григорий Наумович Чухрай


"The Conversation" (1974). Francis Ford Coppola




 Entregas anteriores:

Mis películas favoritas. Autobiografía fílmica - Francisco Huertas Hernández
Mis películas favoritas (2). Autobiografía fílmica - Francisco Huertas Hernández
Mis películas favoritas (3). Autobiografía fílmica - Francisco Huertas Hernández




 Habitamos un mundo donde la imagen ha desplazado a la palabra. El cine fue el primer arte en el que la pujanza de la representación visual móvil comenzó a subvertir el orden instaurado por la imprenta: la galaxia Gutenberg.  

 Curiosamente el cine sonoro dio a la literatura una nueva vida, especialmente para aquellos que ya no leían. Hoy, sin embargo, cuando el propio cine es ya un arte del pasadola imagen ha seguido dominando el mapa de la representación del mundo, pero esa imagen se ha simplificado a través de las redes sociales, del abrasivo poder de internet.

 Es evidente que el lenguaje del cine es incomprensible para la mayoría de los internautas, que conectados a sus móviles y tabletas hacen circular una cantidad descomunal de imágenes -y muchas de ellas en forma de palabras, que son sólo fantasmas sin significado-. 

 El cine del que yo vengo exige ahora un gran esfuerzo, tanto como leer a los clásicos de la literatura o escuchar a los grandes compositores.
 Hemos olvidado "leer" las imágenes cinematográficas porque somos analfabetos. En mi trabajo he comprobado que aún es posible encontrar en los "maestros" del cine películas que turben y fascinen a nuestros alumnos, adocenados en un universo de seudoimágenes y seudopalabras que parpadean fugaces como estrellas ininteligibles infinitas en sus pantallas digitales.
 Algunas de esas películas desfilarán en esta cuarta ronda de mi autobiografía fílmica.



 "Two for the road" (1967). Stanley Donen


"Two for the road" (1967). Stanley Donen




 - "The Conversation" (1974). Francis Ford Coppola


"The Conversation" (1974). Francis Ford Coppola




 - "L'Atalante" (1934). Jean Vigo


"L'Atalante" (1934). Jean Vigo



 - "Sunset Boulevard" (1950). Billy Wilder



"Sunset Boulevard" (1950). Billy Wilder



 - "পথের পাঁচালী" ("Pather Panchali") (1955). সত্যজিত রায় (Satyajit Ray)



"পথের পাঁচালী" (1955). সত্যজিত রায় 



 - "Historias de la radio" (1955). José Luis Sáenz de Heredia



"Historias de la radio" (1955). José Luis Sáenz de Heredia




 - "King Kong" (1933). Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack 



"King Kong" (1933). Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack 



 - "La Strada" (1954). Federico Fellini



"La Strada" (1954). Federico Fellini



 - "Double Indemnity" (1944). Billy Wilder



"Double Indemnity" (1944). Billy Wilder




 - "La batalla de Chile" (1973-1978). Patricio Guzmán



"La batalla de Chile" (1973-1978). Patricio Guzmán



"Ποτέ Την Κυριακή" ("Jamais le dimanche") (1960). Jules Dassin
Melina Mercouri (Ilya) baila ante Jules Dassin (Homer Thrace)





 Entregas anteriores:

 - Las películas favoritas de Francisco Huertas Hernández (Autobiografía fílmica)



 Dicen que cuando uno va a morir ve toda su vida desfilar en forma de imágenes como si de un trailer de su existencia se tratase. El cumplimiento de la vida se realiza como si Dios fuese el montador de todo el metraje rodado a lo largo de nuestros días. En esos instantes significativos -a modo de secuencias- se mezclan rostros de personas ausentes, lugares perdidos y momentos ya consumidos. Todo ello, todos ellos, fueron nuestra propia vida.

 A mí me gusta más la música que el cine -aunque con la edad los sentidos merman y el disfrute encuentra ciertas limitaciones sensoriales- y me pregunto si también, al menos en el caso de los melómanos, su existencia quedará compendiada en una melodía o en ese fluir de sonidos desacompasados que escuchamos cuando la orquesta afina antes del concierto, y, que, dicho sea de paso, tan subyugante y prometedor siempre me pareció.

 En cualquier caso, el cine es imagen y sonido, fantasma y eco, luz y ruido, velocidad y silencio. Como en la caverna de Platón nuestras vidas son lo que vemos proyectado en las paredes de los otros, de sus actos, de sus deseos, de sus palabras. Los otros son nuestros deseos, actos y palabras que quedan proyectados en el aire, en el tiempo. Y eso, ¿no es el cine?

 Desde que el cine se hizo una parte de nuestro comprender el mundo, de nuestro sentir el mundo, hemos vivido sin quererlo en él -incluso en el caso de quienes no consideran el séptimo arte-
 Vivir es navegar, dijo alguien. Pero vivir es contemplar la navegación, que tiene en los demás a los tripulantespasajeros y sirenas, que, con su canto, nos enloquecen en la travesía de este buque fantasma que creemos pilotar.

 Hágase la luz: empieza la película. Empieza la vida.




 - "El camino" (1963). Ana Mariscal



"El camino" (1963). Ana Mariscal



 - "Sleuth" (1972). Joseph Leo Manckiewicz



"Sleuth" (1972). Joseph Leo Manckiewicz




 - "2001, A Space Odyssey" (1968). Stanley Kubrick



"2001, A Space Odyssey" (1968). Stanley Kubrick




 - "The Vikings" (1958). Richard Fleischer



"The Vikings" (1958). Richard Fleischer



 - "Vertigo" (1958). Alfred Hitchcock



"Vertigo" (1958). Alfred Hitchcock




 - خانه دوست کجاست؟  ("Jâne-ye dust koŷâst?") ("¿Dónde está la casa de mi amigo?"(1987). عباس کیارستمی (Abbas Kiarostami)



خانه دوست کجاست؟  ("Jâne-ye dust koŷâst?") ("Où est la maison de mon ami?"(1987). عباس کیارستمی (Abbas Kiarostami)



 - "Ascenseur pour l'échafaud" (1958). Louis Malle



"Ascenseur pour l'échafaud" (1958). Louis Malle



 - "Tortilla Flat" (1942). Victor Fleming



"Tortilla Flat" (1942). Victor Fleming



 - "Ποτέ Την Κυριακή" ("Jamais le dimanche") (1960). Jules Dassin



"Ποτέ Την Κυριακή" ("Jamais le dimanche") (1960). Jules Dassin



 - "Rosemary's Baby" (1968). Roman Polanski



"Rosemary's Baby" (1968). Roman Polanski




"Fahrenheit 451" (1966). François Truffaut





 Entregas anteriores:


 

 ¿Cómo escribir una autobiografía hecha de películas? ¿Cómo reconstruir una identidad con recuerdossentimientosideas y, sobre todo, imágenes? Estas entregas de mi autobiografía fílmica pretenden recoger aquellas películas que, desde la infancia, quedaron grabadas. Aquellas que he vuelto a ver como quien regresa al hogar. No todas son recuerdos borrosos de mis primeros años. Hay muchas que he visto recientemente, y que como clásicos del séptimo arte, inmediatamente se han convertido en nuevas estancias de ese hogar. 

 El arte es una existencia que proyecta al hombre hacia lo eterno. Quizás lo único eterno que haya sea ese tiempo suspendido de la contemplación estética. Vivir otras vidas, en otros espacios y otros momentos, es un privilegio que nos concede el cine. Aprovechémoslo. 

 Los diez largometrajes que traigo hoy son casi todos clásicos del cine: "incontournables", como dicen los franceses. Pero no pretendo que mis gustos coincidan plenamente con esas listas del canon de las mejores películas de la historia. De mi experiencia reciente como espectador en las salas de cine sé bien lo poco valiosos que pueden ser los juicios de los críticos, sobre todo cuando uno ya tiene el suyo propio.

 Así que aquí os dejo más cine del que me identifica, porque siendo bueno, es también mío.



"The best years of our lives" (1946). William Wyler


"The best years of our lives" (1946). William Wyler




 - "東京物語" ("Tōkyō Monogatari") (1953).  小津 安二郎 (Yasujirō Ozu)


 "東京物語" ("Tōkyō Monogatari") (1953).  小津 安二郎 (Yasujirō Ozu)




 - "Fahrenheit 451" (1966). François Truffaut


"Fahrenheit 451" (1966). François Truffaut




 - "Los olvidados" (1950). Luis Buñuel



"Los olvidados" (1950). Luis Buñuel




 "Blackboard Jungle" (1955). Richard Brooks


"Blackboard Jungle" (1955). Richard Brooks



 - "Furtivos" (1975). José Luis Borau


"Furtivos" (1975). José Luis Borau



 - "Monsieur Verdoux" (1947). Charles Chaplin


"Monsieur Verdoux" (1947). Charles Chaplin



 - "Ladri di biciclette" (1948). Vittorio de Sica


"Ladri di biciclette" (1948). Vittorio de Sica



 - "Stella" (2008). Sylvie Verheyde


"Stella" (2008). Sylvie Verheyde



"Зеркало" ("El Espejo") (1974). Андрей Арсеньевич Тарковский (Andrei Arsenievich Tarkovski)


"Зеркало" (1974). Андрей Арсеньевич Тарковский




 "Le salaire de la peur" (1953). Henri-Georges Clouzot


 Lean las entregas anteriores:
Las películas favoritas de Francisco Huertas Hernández. Autobiografía fílmica


 Desde que los griegos inventaron la filosofía la mente humana ha dividido lo real en imagen y concepto. Fue Platón el filósofo que sostuvo que existen dos mundos paralelos: el de las apariencias, formado por imágenes en movimiento; y el de las realidades, en el que están las formas o ideas inmóviles eternas de las que toda imagen es una copia.

 Hegel escribió sobre "el esfuerzo del concepto" en el que el filósofo prescinde de los sentidos para elevarse al ser abstracto -aunque real- del mundo.

 Siglos de filosofía han colocado al ser humano en disposición de desentrañar -"desvelar"- lo escondido detrás de las imágenes cambiantes que captamos a través de la vista, el principal de los sentidos, y el oído

 Y, sin embargo, la fascinación por las imágenes no sólo no ha sucumbido al "imperio" del concepto racional, sino que ha renacido siempre con mayor fuerza.

 La naturaleza -aunque entendida en su unidad racional, siempre golpeando al hombre con su ímpetu irracional-, el arte y la propia imaginación interior del ser humano han sido freno y estímulo para la razón en su afán de control del universo.


 Y el cine es, entre las artes, la que más tiene de naturaleza no menos de imaginación o fantasía proyectada por sus autores y espectadores.

 El cine, al fin, es un río de imágenes -las que discurren en la pantalla y las que el público recibe al asociarlas con las suyas propias-. El cine es un río heracliteano, en el que todo fluye, con el ímpetu de la naturaleza y con la realidad del misterio. ¿Qué misterio más grande para la mente humana que lo diverso, que lo cambiante, que lo temporal?

 Y en esas estamos: para sentir el cine -en sus más elevadas cumbres o profundas corrientes- como gran arte, es necesario el doble movimiento del espíritu humano: el deleite de lo sensible en las imágenes móviles y fugaces, y su interpretación o "asimiento unitario" en la razón.

 Imaginación y entendimiento al servicio del placer y el conocimiento que el cinematógrafo como arte y conquista del espíritu humano ofrece al espectador activo.

 Éste es el problema con el cine de entretenimiento actual: carece de unidad racional y de un público preparado para interpretarla. Aunque toda interpretación racional en arte sólo tiene sentido tras la emoción sensible.


 Aquí van algunas de esas películas que despertaron en mí emoción, y me persiguieron en el esfuerzo de entender el mundo a través de sus imágenes.




"Le salaire de la peur" (1953). Henri-Georges Clouzot

"Le salaire de la peur" (1953). Henri-Georges Clouzot




- "Cría cuervos" (1976). Carlos Saura



"Cría cuervos" (1976). Carlos Saura





"Det sjunde inseglet'' (1957). Ingmar Bergman 




"Det sjunde inseglet'' (1957). Ingmar Bergman





"The Ten Commandments" (1956). Cecil B. DeMille




"The Ten Commandments" (1956). Cecil B. DeMille




"La Jetée" (1962). Chris Marker



"La Jetée" (1962). Chris Marker




"Rocco e i suoi fratelli" (1960). Luchino Visconti




"Rocco e i suoi fratelli" (1960). Luchino Visconti




"Viridiana" (1961). Luis Buñuel



"Viridiana" (1961). Luis Buñuel




"La Marsellaise" (1938). Jean Renoir




"La Marsellaise" (1938). Jean Renoir




"The Time Machine" (1960). George Pal 



"The Time Machine" (1960). George Pal





"Au hasard Balthazar" (1966). Robert Bresson



"Au hasard Balthazar" (1966). Robert Bresson



  
"Some like it hot" (1959). Billy Wilder



 Podéis ver aquí la lista completa de MIS PELÍCULAS FAVORITAS:


 El cine es una vida paralela que, como el sueño, adquiere en nuestra memoria e imaginación una intensidad y viveza mayor que nuestra experiencia cotidiana.
 El arte supremo de los grandes creadores del cinematógrafo es hacernos vivir esa vida sin reparar en la nuestra. En tiempos de crisis y de guerra el pueblo se evadía en las salas "viviendo" una existencia mejor. Aunque hoy la industria creadora de realidades virtuales ha desplazado al cine con las nuevas tecnologías de la comunicaciónla necesidad humana de "ser otro" no ha desaparecido. 

¿Y quién mejor que el director para hacernos otros, sin movernos de la butaca, para "desplazarnos" y "proyectarnos" en la inmensa "alteridad" del ser? 
 La infancia es el lugar, el tiempo, de la conquista de la "alteridad", del "ser-otro", y, es en esa edad del viaje a otros mundos cuando el cine toma asiento en nuestra imaginación.
 No sé si los más jóvenes han podido sentir esa "alienaciónpositiva que el cine nos aporta: ese "viajar" en el espacio, en el tiempo, y en las emociones, pero, sé que para nuestra generación el séptimo arte -junto con la música- fue la fuente de la que manaba toda corriente vital fecundadora de utopías.

 Señoras, señores, empieza el espectáculo: el gran viaje a 24, 30 o más fotogramas por segundo.



"A Song is Born" (1948). Howard Hawks



"A Song is Born" (1948). Howard Hawks



"Земля" ("Tierra") (1930). Александр Петрович Довженко (Aleksandr Petróvich Dovzhenko)





"Земля" (1930). Александр Петрович Довженко 




 - "Blow-Up" (1966). Michelangelo Antonioni



"Blow-Up" (1966). Michelangelo Antonioni




 - "Le Ballon rouge" (1956). Albert Lamorisse



"Le Ballon rouge" (1956). Albert Lamorisse



 - "Some like it hot" (1959). Billy Wilder



"Some like it hot" (1959). Billy Wilder




 - "Atraco a las tres" (1962). José María Forqué



"Atraco a las tres" (1962). José María Forqué
Cartel dibujado por Jano




 - "Taxi Driver" (1976). Martin Scorsese



"Taxi Driver" (1976). Martin Scorsese




 - "Jungfrukällan" (1960). Ingmar Bergman



"Jungfrukällan" (1960). Ingmar Bergman
"El manantial de la doncella"




 - "Surcos" (1951). José Antonio Nieves Conde



"Surcos" (1951). José Antonio Nieves Conde




 - "La femme d'à côté" (1981). François Truffaut



"La femme d'à côté" (1981). François Truffaut



"L'important c'est d'aimer" (1975). Andrzej Żuławski
Impresionante interpretación de Romy Schneider (Nadine Chevalier)


  Lean la lista completa de mis películas favoritas:

 - Las películas favoritas de Francisco Huertas Hernández. Autobiografía fílmica


  Los ojos de Romy Schneider nos interpelan desde algún lugar tras la pantalla, como los de Bette Davis Ana Torrent, como los ojos poseídos de los terrestres abducidos en "La invasión de los ladrones de cuerpos".

 ¿Cuál es ese lugar sino el infierno? Uno de los misterios más subyugantes del cine es transmitir el horror de "lo otro", lo innombrable, lo invisible. Por eso, el terror y laintriga han acompañado al invento de los Lumière desde sus inicios.

  En estas diez películas que he elegido hay una gradación del horror -desde el incomprensible mal gratuito a la descomposición del amor-. No son todas cintas de terror, pero incluso en las que predomina la temática amorosa, este sentimiento bordea sus límites tenebrosos, sean éstos sociales, religiosos o psicológicos.

 El grito y la dulzura, el espanto y la dicha, se amalgaman en la unidad de la vida y del ser. No había de ser menos en el cine. 
  


 1- "L'important c'est d'aimer" (1975). Andrzej Żuławski



"L'important c'est d'aimer" (1975). Andrzej Żuławski




 2- "Invasion of the Body Snatchers" (1956). Don Siegel


"Invasion of the Body Snatchers" (1956). Don Siegel



 3- "M" (1931). Fritz Lang


"M" (1931). Fritz Lang




 4- "Москва Слезам Не Верит" (1980). Владимир Валентинович Меньшов
 ("Moscú no cree en lágrimas" (1980). Vladimir Valentinovich Menshov)


"Москва Слезам Не Верит" (1980). Владимир Валентинович Меньшов



 5- "El amor del capitán Brando" (1974). Jaime de Armiñán


"El amor del capitán Brando" (1974). Jaime de Armiñán



 6- "Ma nuit chez Maud" (1969). Éric Rohmer


"Ma nuit chez Maud" (1969). Éric Rohmer




 7- "Under the Volcano" (1984). John Huston


"Under the Volcano" (1984). John Huston




 8- "Nóż w wodzie" (1962). Roman Polański
 ("El cuchillo en el agua" (1962). Roman Polanski)



"Nóż w wodzie" (1962). Roman Polański



 9- "El espíritu de la colmena" (1973). Víctor Erice


"El espíritu de la colmena" (1973). Víctor Erice



 10- "La dolce vita" (1960). Federico Fellini


"La dolce vita" (1960). Federico Fellini


"The Misfits" (1961). John Huston
"Vidas rebeldes" 
Montgomery Clift (Perce Howland), Marilyn Monroe (Roslyn Tabor) y Clark Gable (Gay Langland)



Lean la lista completa de mis películas favoritas:




  El héroe en el cine: el horizonte de libertad en el que el poder humano se disuelve en el cerco del destino. Todo héroe es homérico o shakespeariano.

 Hollywood creó un arquetipo de conquistador del espacio -el "oeste" como lugar mítico- y Europa redujo ese espacio a la intimidad de la concienciaHuston y Bresson,"Misfits" "Un condamné à mort s'est échappé"

 Las películas de esta lista no muestran la tierra prometida, sino el esfuerzo titánico, inútil, de la conquista de lo humanocuando lo humano ha girado sobre sus goznes hasta chirriar entre lo divino y lo inane.  

 Hombres, mujeres -quizá pueblos individualizados en la figura del "héroe"- que parten de laangustia de la opresión, el vacío o la miseria, buscando un "más allá": Lieutenant Fontaine, Francisco Galván de Montemayor, Vienna y Johnny "Guitar" Logan, Kenji Watanabe, Spartacus, Ivan Grozni, Edward, Cabiria Ceccarelli, Roslyn Tabor, Perce Howland, Gay Langland, Roger O. Thornhill

 Al "héroe" le define la "acción". Al cine le define el movimiento. Todos estospersonajes actúan movidos por un anhelo: su movimiento es la fuga. Como en una pieza de Johann Sebastian Bach, la forma musical de la fuga tiene una estructura matemática: una superposición de ideas musicales (aquí de vidas filmadas) o sujetos, en la que el contrapunto de varias voces que imitan o repiten variando el tono compone una arquitectura de gran belleza.

 ¿Cómo la "arquitectura" de las "vidasen fuga plasmada cinematográficamente alcanza esta belleza? Ante todo, el director expresa un fluir temporal doble: el tiempo muerto de la existencia cotidiana y su "transposición" "heroica" en el tiempo de la "fuga". Estos personajes sufren y alcanzan su gozo en la acción de la escapada, de la "trascendencia" -tanto en el espacio como en el tiempo-.

 ¿Y por qué huyen, escapan, se fugan, viajan estos "héroes"? ¿Acaso de sí mismos? ¿Acaso de una sociedad que no les pertenece por estática, opresiva o vacía? ¿Acaso, si cabe, del tiempo de la finitud?

 Todo héroe busca la "gloria", incluso aunque no lo desee -Roger O. Thornhill se ve envuelto en la fuga sin que jamás lo haya pretendido-: la "inmortalidad" es la meta y el camino del movimiento de fuga de estos personajes que nos representan, porque en todo ser humano hay una tensión entre la temporalidad y la eternidad, entre el vacío y la plenitud, entre la agonía y la felicidad.

 El cine nos pone ante los ojos y el alma este camino áspero y épico de los héroes que llevamos dentro, aunque, sentados en nuestra butacadejamos que los directores hagan el viaje por nosotros.



 1- "Un condamné à mort s'est échappé" ("Le vent souffle où il veut") (1956). Robert Bresson


"Un condamné à mort s'est échappé" ("Le vent souffle où il veut") (1956). Robert Bresson




 2- "Él" (1953). Luis Buñuel


"Él" (1953). Luis Buñuel




 3- "Johnny Guitar" (1954). Nicholas Ray


"Johnny Guitar" (1954). Nicholas Ray




 4- "生きる" ("Ikiru") (1952). 黒澤 明 (Akira Kurosawa)


"生きる" ("Ikiru") (1952). 黒澤 明 (Akira Kurosawa)
"Vivir"




 5- "Spartacus" (1960). Stanley Kubrick


"Spartacus" (1960). Stanley Kubrick




 6- "Иван Грозный I - II: Вторая серия: Боярский заговор" ("Ivan Grozni I - II") (1944, 1958). Сергей Михайлович Эйзенштейн (Sergei Mijailovich Eisenstein)
 ("Iván el Terrible I - II: Segunda Parte: La conjura de los boyardos"


"Иван Грозный" (1944). Сергей Михайлович Эйзенштейн 


"Иван Грозный" (1944). Сергей Михайлович Эйзенштейн 
"Иван Грозный II: Вторая серия: Боярский заговор" (1958). Сергей Михайлович Эйзенштейн 

("Iván el Terrible". 1944). Sergei M. Eisenstein
("Iván el Terrible II: Segunda Parte: La conjura de los boyardos". 1958). Sergei M. Eisenstein




 7- "Edward Scissorhands" (1990). Tim Burton


"Edward Scissorhands" (1990). Tim Burton




 8- "Le notti di Cabiria" (1957). Federico Fellini


"Le notti di Cabiria" (1957). Federico Fellini




 9- "The Misfits" (1961). John Huston


"The Misfits" (1961). John Huston




 10- "North by Northwest" (1959). Alfred Hitchcock


"North by Northwest" (1959). Alfred Hitchcock



"The Postman always rings twice" (1946). Tay Garnett
Cecil Kellaway (Nick Smith), John Garfield (Frank Chambers) and Lana Turner (Cora Smith)
Crime is served



 Lista completa de mis películas favoritas:





"O ein Gott ist der Mensch, wenn er träumt, ein Bettler, wenn er nachdenkt" ("El hombre es un dios cuando sueña, un mendigo cuando reflexiona") escribió Friedrich Hölderlin en "Hyperion" en 1797. Distaba un siglo de la invención del cinematógrafo: una máquina de sueños de realidad consistente.

  El sueño es la patria del artistaEl cineasta sueña en celuloide -bueno, así fue durante un siglo hasta la invención de lo digital- y el espectador despierta de su vigilia en la patria del artista, soñando juntos, quizás cada uno a su manera.

 En esto siempre recuerdo el bellísimo capítulo 143 de "Rayuela" de Julio Cortázar, cuando por la mañana Traveler Talita despertaban y se contaban sus sueños:


 "En el recuento matinal Talita ponía placer o congoja, pero Traveler se obstinaba secretamente en buscar las correspondencias¿Cómo era posible que la compañía diurna desembocara inevitablemente en ese divorcio, esa soledad inadmisible del soñante?(...)

 Durante mucho tiempo esperó un milagro, que el sueño que Talita iba a contarle por la mañana fuera lo que él había soñado. Lo esperó, lo incitó, lo provocó apelando a todas las analogías posibles, buscando semejanzas que bruscamente lo llevaran a un reconocimiento (...)

 Traveler siguió confiando y esperando cada vez menos. Los sueños volvieron, cada uno por su lado. Las cabezas dormían tocándose y en cada una se alzaba el telón sobre un escenario diferente. Traveler pensó irónicamente que parecían los cines contiguos de la calle Lavalle, y alejó del todo su esperanza. No tenían ninguna fe en que ocurriera lo que deseaba, y sabía que sin fe no ocurriría. Sabía que sin fe no ocurre nada de lo que debería ocurrir, y con fe casi siempre tampoco".



Cines en la calle Lavalle
Buenos Aires
"Fumo di Londra" (1966). Alberto Sordi
En Argentina llamada "El Gentleman" como se ve en la imagen con Alberto Sordi y su nombre en letras gigantes


 Este soñar separados que tanto torturaba al personaje de Cortázar, no es más que la realidad individual humana, en la que cada cual teje con recuerdos, impresiones, deseos y pensamientos un sueño y una vida.
 En el cine también estamos juntos viendo la misma película, y cuando salimos resulta que hemos visto cosas distintas. 

 Pero benditos sueños que nos hacen volar, aunque los escenarios de cada espectador hayan adquirido una coloración sentimental y valorativa diferente, como los sueños paralelos que jamás convergían de Talita y Traveler.

 Soñemos, pues, en cinemascopevistavision3D, juntos, y separados, pues como dijo el poeta los dioses se hacen soñando. 




 1- "The Ballad of Cable Hogue" (1970). Sam Peckinpah



"The Ballad of Cable Hogue" (1970). Sam Peckinpah



 2- "Den goda viljan" (1992). Bille August



"Den goda viljan" (1992). Bille August
"Las mejores intenciones"




 3- "Un millón en la basura" (1967). José María Forqué



"Un millón en la basura" (1967). José María Forqué



 4- "The Postman always rings twice" (1946). Tay Garnett



"The Postman always rings twice" (1946). Tay Garnett




 5- "অপরাজিত" ("Ôporaŷito""Aparajito") (1956). সত্যজিত রায় (Satyajit Ray)



"অপরাজিত" ("Ôporaŷito""Aparajito") (1956). সত্যজিত রায় (Satyajit Ray)


"অপরাজিত" ("Ôporaŷito""Aparajito") (1956). সত্যজিত রায় (Satyajit Ray)




 6- "Casablanca" (1942). Michael Curtiz



"Casablanca" (1942). Michael Curtiz




 7- "Le diable probablement" (1977). Robert Bresson



"Le diable probablement" (1977). Robert Bresson




 8- "La ragazza con la valigia" (1961). Valerio Zurlini



 "La ragazza con la valigia" (1961). Valerio Zurlini



 9- "A Torinói ló" (2011). Béla Tarr 



"A Torinói ló" (2011). Béla Tarr 
"El caballo de Turín"



 10- "Le Rayon Vert" (1986). Éric Rohmer




"Le Rayon Vert" (1986). Éric Rohmer


"The Front Page" (1974). Billy Wilder
Walter Matthau (Walter Burns) and Jack Lemmon (Hildebrand 'Hildy' Johnson)


 Lista completa de mis películas favoritas:



 ¿Hasta qué punto el cine es un vehículo de la verdad? ¿Un reflejo de la realidad? Si en todo arte hay una voluntad de belleza, no es menor su querencia por la verdad. Pero, ¿de qué clase es esa verdad del arte, y del cine, en particular?

 Muchos son los libros dedicados a discutir la cuestión. Pero yo lo haré desde el recuerdo de las películas que hoy he seleccionado. En ellas late una verdad profunda acerca del ser humano y la naturaleza, pero, sobre todo, acerca del tiempo y sus quiebros.

 Parafraseando el título de la película de Fernando Fernán Gómez diré que el cine es "un extraño viaje" que, como todo viaje, comienza al nacer. Y es la infancia el lugar desde el que la verdad se muestra desnudaTruffaut mostró con la cámara ese viaje de Antoine Doinel a través de París, acompañado de la rebeldía del desamor y de Balzac. La música de Jean Constantin también era una parte de esa bildungsroman hecha cine.

 La verdad del cine son sus imágenes que circulan por el espacio del plano con la velocidad o ritmo de las emociones. Cuanto más verdadero es el cine más triste es la realidad iluminada. La infancia de Antoine no es más que la suma de sus desencuentros con la realidad impuesta.

 Bergman también habla de la infancia desde la verdad de un mundo que los adultos han adulterado. Otra etapa de ese viaje en busca del desvelamiento de lo que nos constituye. Es curioso cómo el cine hace de la soledad y el silencio uno de los momentos en que ese viaje hacia la verdad se desarrolla. Si en la vida esos momentos no parecen tener existencia social, por estar, precisamente, alejados de lo que es la base de la realidad social -la comunicación y la acción-, sin embargo, el séptimo arte articula sobre soledad y silencio parte de la formación del personaje en su periplo por el tiempo. Y eso en el cine sobre la infancia adquiere mayor relevancia.

 La verdad ama ocultarse, pero el cinematógrafo, con todos sus potentes medios,desvela ese misterio. El ser humano crece ("Les 400 coups""Fanny och Alexander"), nada ("Taris"), investiga ("The Front Page""Chinatown"), reza ("La passion de Jeanne d'Arc"), trabaja ("Modern Times"), interpreta ("Vanya on 42nd Street"), miente ("El extraño viaje"), sufre ("Phantom of the Paradise") y muere ("La passion de Jeanne d'Arc"), y mientras tanto ama y viaja.

 Amor y camino son las alas de la verdad. Los griegos lo llamaban Eros y MétodoEl cine nos hace desplazarnos por el tiempo de la existencia amando. 


 1- "The Front Page" (1974). Billy Wilder


"The Front Page" (1974). Billy Wilder
"Primera plana"


 2- "Les 400 coups" (1959). François Truffaut


"Les 400 coups" (1959). François Truffaut


 3- "Chinatown" (1974). Roman Polański


"Chinatown" (1974). Roman Polanski


 4- "Taris" ("Roi de l'eau" o "La natation par Jean Taris""Champion de France" o"Taris, champion de natation") (1931). Jean Vigo 
 Cortometraje. 9 minutos


"Taris" (1931). Jean Vigo


 5- "El extraño viaje" (1965). Fernando Fernán Gómez


"El extraño viaje" (1965). Fernando Fernán Gómez


 6- "Modern Times" (1936). Charles Chaplin


"Modern Times" (1936). Charles Chaplin


 7- "Phantom of the Paradise" (1974). Brian de Palma


"Phantom of the Paradise" (1974). Brian de Palma


 8- "La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer


"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer



 9- "Fanny och Alexander" (1982). Ingmar Bergman


"Fanny och Alexander" (1982). Ingmar Bergman



 10- "Vanya on 42nd Street" (1994). Louis Malle


"Vanya on 42nd Street" (1994). Louis Malle



"The Ladykillers" (1955). Alexander Mackendrick
"El quinteto de la muerte"



 Lista completa de mis películas favoritas:


  La poesía del cine reside en su capacidad de alterar nuestra percepción de la realidadVerla mejor de lo que es, siendo realidad siempre. 
 El arte, por mor de su forma y su aliento, construye una ciudadela de cristal ennuestra alma a través de la cual distinguimos las almas de los seres, como en la ciudad opaca en la que vivimos no podríamos apreciar.

 Escribió Aristóteles que la comedia pinta a los hombres peor de lo que son, y la tragedia mejor. Mas en todo caso, el arte de la dramaturgia revela en esa ciudad transparente los misterios dulces y sangrientos del espíritu humano.

 Nosotros entramos en ese teatro de sombras donde unos personajes con los que nos identificamos viven y sueñan. En esa gruta milagrosa del cinematógrafo los directoreshan iluminado la oscuridad de la ciudad opaca, y sólo han podido hacerlo apagando las luces de esa misma ciudad, para encender las del sueño.

 La comedia cinematográfica ilumina cuan grotesco es el ser humano cuando le vemos a través de la ciudadela transparentedesnudo de conveniencias y razones sociales.
 En las dos obras maestras de Mackendrick Molinaro, basadas en los textos de William Rose y Francis Veber, los héroes devienen marionetas del infortunio, ynuestra risa deriva de la distancia entre su pretensión y sus logros. Nos podemos reír de nosotros mismos reflejados en esa ciudad de cristal donde las miserias humanashan sido descubiertas

 El cine, esa arquitectura cristalina de almas en movimiento que vemos desde lassombras, es la lupa que todo lo ilumina.



 - "The Ladykillers" (1955). Alexander Mackendrick


"The Ladykillers" (1955). Alexander Mackendrick
"El quinteto de la muerte"





 - "Mouchette" (1967). Robert Bresson



"Mouchette" (1967). Robert Bresson




"Que horas ela volta?" (2015). Anna Muylaert


"Que horas ela volta?" (2015). Anna Muylaert
"Una segunda madre"




"La caza" (1966). Carlos Saura


"La caza" (1966). Carlos Saura




"La pianiste" (2001). Michael Haneke


"La pianiste" (2001). Michael Haneke




"Psycho" (1960). Alfred Hitchcock


 "Psycho" (1960). Alfred Hitchcock




"Missing" (1982). Constantin Costa-Gavras


"Missing" (1982). Constantin Costa-Gavras



"L'emmerdeur" (1973). Édouard Molinaro


"L'emmerdeur" (1973). Édouard Molinaro
"El embrollón"



"Freud: the secret passion" (1962). John Huston


"Freud: the secret passion" (1962). John Huston




"Frankenstein" (1931). James Whale


"Frankenstein" (1931). James Whale


"乱" ("Ran") (1985).  黒澤 明 (Akira Kurosawa)



La lista completa de mis películas favoritas:


  
  Uno de los misterios del arte es la creación de puertas en el tiempo y en el espacio que nos trasladan a otros momentos y lugares. El cine es ese arte, emparentado con laópera, donde cabe la síntesis de toda forma artística previa.

 La materia de la arquitectura y sus volúmenes, la moldeabilidad de lo sólido de la escultura, la composición color sobre el plano de la pintura, el relato y la descripción de la literatura, el fluir temporal transido de belleza armónica melódica de la música, el conflicto y la puesta en escena del teatro, la duplicación estática de la realidad de la fotografía, todo ello, con la suprema excepción de la ópera o drama musical, adquiere en el cine un poder absoluto sobre la conciencia del espectador, e, incluso, como todo arte, más allá aún: una perdurable influencia sobre su inconsciente.

 Dado que el inconsciente es ese no-lugar en que el tiempo y el espacio andan sin orden ni conciertosin lógica ni finalidad, es evidente que sea allí donde las puertas del tiempo, y, con ellas, las del espacio -aunque, como demostró Einstein vengan a ser una sola cosa- puedan abrirsecerrarseentornarse, con gran placer para el espectador de mundos que es el contemplador estético.

 Las puertas del tiempo están en la desazonante "El ángel exterminador", donde un espacio burgués queda clausurado por una fuerza irracional. 
 Y bajo el puente de Passy, en París, anda Paul asido a un pasado atormentado buscando la eternidad de la aniquilación sexual en brazos de Jeanne
 Michel, un Raskolnikov francés, se adiestra en el arte del carterismo, en el tránsito espacial y temporal hacia la redención pasando por el pecado y la culpa. 
 ¡Qué decir de la vida futura que vio George Bailey a través del ángel Clarence cuando estaba a punto de suicidarse! ¿No es la clarividencia una de las puertas del tiempo más anheladas y temidas por los humanos?
 Umberto D. también es una víctima que decide suicidarse siendo en esta ocasión salvado por su perro. Roma, ciudad eterna, es el marco de este hombre que camina en dirección contraria a la marcha de los tiempos.
 En la espectral Atlantic City, en la costa este de Estados Unidos, sitúa Louis Malle a Lou y a Sallyoutsiders, viajeros del tiempo, enfrentados a su propia destrucción. ¿Acaso no es la destrucción la huella del tiempo?
  ¿Y la diligencia que transporta a los hombres de unos lugares agostados a otros florecientes, pero, en cuyo camino, cruzarán las puertas de la vida y de la muerte?
 Una de las puertas del espacio más relevantes para la vida es la del sexo. El viaje de la transexualidad de Adela Castro Juan, siempre acompañada en su travesía por Isabelita, es un hito de la historia del cine español.
 Y Shakespeare, el universal viajero en el espacio y en el tiempo, se desplaza desdeBretaña a Japón, donde Kurosawa sitúa a Hidetora Ichimonji, el cansado señor de la guerra, trasunto del Rey Lear. 
 Gloria, ama de casa suburbial en Madrid, ha quedado clavada en el vano de la puerta del futuro, alienada y sometida. Pero una pata de jamón la hará cruzar el umbral de un espacio de libertad.

 Personajes en busca de puertas que den acceso a estancias en que la plenitud sea aún anhelo y consuelo.





 - "Le dernier tango à Paris" ("Ultimo tango a Parigi") (1972). Bernardo Bertolucci


"Le dernier tango à Paris" ("Ultimo tango a Parigi") (1972). Bernardo Bertolucci



 - "El ángel exterminador" (1962). Luis Buñuel



"El ángel exterminador" (1962). Luis Buñuel



 - "Pickpocket" (1959). Robert Bresson



"Pickpocket" (1959). Robert Bresson



 - "It's a wonderful life" (1946). Frank Capra



"It's a wonderful life" (1946). Frank Capra
"¡Qué bello es vivir!"




 - "Umberto D" (1952). Vittorio de Sica



"Umberto D" (1952). Vittorio de Sica



 - "Atlantic City" (1980). Louis Malle



"Atlantic City" (1980). Louis Malle
Affiche français




 - "Stagecoach" (1939). John Ford



"Stagecoach" (1939). John Ford
"La diligencia"



 - "Mi querida señorita" (1972). Jaime de Armiñán



"Mi querida señorita" (1972). Jaime de Armiñán



 -  "乱" ("Ran") (1985).  黒澤 明 (Akira Kurosawa)



"乱" ("Ran") (1985).  黒澤 明 (Akira Kurosawa)



 - "¿Qué he hecho yo para merecer esto?" (1984). Pedro Almodóvar



"¿Qué he hecho yo para merecer esto?" (1984). Pedro Almodóvar



"The Incredible Shrinking Man" (1957). Jack Arnold
"El increíble hombre menguante"
"Scott Carey será testigo del más angustioso rostro de la belleza"




 Lista completa de mis películas favoritas:




 Cuando uno recuerda películas una constelación de imágeneshistorias y sobresaltos del alma asaltan la memoria desprevenida. Como estrellas de galaxias lejanas giran dentro de nosotros. Y su fuerza es tan inconsciente como arcano su misterio.
  
 Las diez películas que hoy convoco a mi recuerdo giran en la nebulosa del recuerdo de infancias con televisión en blanco y negro, algún olvidado cine-club y obras maestras recuperadas en blu ray.

 El misterio del alma prendada de la belleza es descrito por Platón, pero también el cine es un catalizador de ese éter inaprehensible de lo bello.

 Comienza el baile de la belleza cósmica en el amor -génesis y sustancia de todo cuanto vive- que el hombre y la mujer puros viven en "Amanecer", aun cuando la sombra de lamujer de la ciudad y su sensualidad sofisticada lo amenacen.
 De "Alicia en las ciudades" recuerdo a la niña acompañada, en su viaje por ciudades germanas, por Phil, un periodista perdido entre dos continentes, y revivo ese concierto real de Chuck Berry filmado por Wenders.
 "Los paraguas de Cherburgo" es una melodía ininterrumpida de Michel Legrand que narra una historia de amor y abandono al son del canto, porque la belleza canta y huye al tiempo, tal que el amor.
 "El increíble hombre menguante" muestra la belleza del horror, cuando la experiencia se separa de la lógica y la costumbre, en esa dimensión en que lo cotidiano se revela como insondable, y el humano queda reducido a cosa. Entonces lo amenazante resplandece en su sublime horror destructorScott Carey será testigo del más angustioso rostro de la belleza.
 "La noche americana" es película de una película, en la que los hacedores de belleza -director y actores- son vistos mientras preparan su máquina de resplandores y emociones.
 "La tía Tula" es la belleza dormida, la belleza del deseo, que nace, más allá, de la agradable conveniencia de lo social, en un espacio cerrado por la sacristía y la murmuración
 Y Kubrick rodó su último filme -"Eyes Wide Shut"- en Londres simulando un Nueva York fantasmático, en el que las máscaras son la puerta de entrada para Bill Harford en el rito iniciático de la belleza sin límites del goce anónimo.
 "El hombre de la cámara" de Dziga Vertov es el ojo de la contemplación del mundo moderno: la cámara. La cámara-ojo que eleva la ciudad a sinfonía industrial y metropolitana. Una belleza nuevafuturista, de una sociedad recién conquistada en la que el espacio es recorrido por la velocidad triunfante del automóvil.
 Y un viaje psicodélico en busca del amor y la belleza de la música realizan Los Beatles en "Yellow Submarine"atravesando el mar del tiempo, de la cienciade los monstruos, de la nada, de las cabezas de los agujeros, para alcanzar Pepperland, un paraíso musical submarino.
 Orson Welles tentaba en "Mr. Arkadin" -como en toda su obra- atrapar un deformado ángulo de lo que los humanos consideramos belleza, en el intrincado tablero de los desplazamientos de figuras en sombras.

 En el remolino incesante de los cuerpos celestes en el que las sombras apagan el fulgor de las estrellas, en el que las imágenes de nuestras películas iluminan nuestra memoria nuestra vida, en ese espacio infinito de belleza olvidada soñamos y despertamos.




 1- "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927). Friedrich Wilhelm Murnau


"Sunrise: A Song of Two Humans" (1927). Friedrich Wilhelm Murnau
"Amanecer"




 2- "Alice in den Städten" (1974). Wim Wenders


"Alice in den Städten" (1974). Wim Wenders
"Alicia en las ciudades"




 3- "Les parapluies de Cherbourg" (1964). Jacques Demy


"Les parapluies de Cherbourg" (1964). Jacques Demy




 4- "The Incredible Shrinking Man" (1957). Jack Arnold


"The Incredible Shrinking Man" (1957). Jack Arnold
"El increíble hombre menguante"



 5- "La nuit américaine" (1973). François Truffaut


"La nuit américaine" (1973). François Truffaut




 6- "La tía Tula" (1964). Miguel Picazo


"La tía Tula" (1964). Miguel Picazo




 7- "Eyes Wide Shut" (1999). Stanley Kubrick


"Eyes Wide Shut" (1999). Stanley Kubrick




 8- "Человек с киноаппаратом" ("El hombre de la cámara") (1929).  Дзига Вертов (Dziga Vertov)


"Человек с киноаппаратом" ("El hombre de la cámara") (1929).  Дзига Вертов (Dziga Vertov)




 9- "Yellow Submarine" (1968). George Dunning


"Yellow Submarine" (1968). George Dunning



 10- "Mr. Arkadin" ("Confidential Report") (1955). Orson Welles


"Mr. Arkadin" ("Confidential Report") (1955). Orson Welles
Cartel español. Dibujado por Jano




"Die Blechtrommel" ("El tambor de hojalata") (1979). Volker Schlöndorff
Oskar (David Bennent)






Lista de mis películas favoritas. Autobiografía Fílmica de Francisco Huertas Hernández




 ¿Cómo distinguir las bellas imágenes del horror de las feas imágenes de la cotidianidad? ¿Cómo sentir la emoción del espanto frente a la frialdad de la armoníaLeibniz quiso un universo compuesto por mónadas aisladas pero sincronizadas por Dios en su inexplicable concordancia.
 ¿Y si las imágenes independientes entre sí actuaran de esta manera? Dios, o el sujeto trascendental kantiano, o la voluntad omniabarcante schopenhaueriana, orquestan en nuestra alma la concordancia de las imágenes que fluyen aisladas en el tiempo de lacontemplación y el recuerdo de las películas que vemos.

 Hoy son Oskar Matzerath, un niño que no quiso crecer, de Danzigdos chicas que quieren ser "depravadas" como todo el mundo; el desquiciado Dr. Caligari y su fiel sonámbulo CesareLorenzo y la "amada lejanaBertaMichel Delassalle, un director de colegio, su amante Nicole y su esposa ChristinaJimmy Stark, un chico desorientado; el portero de un hotel con ambiciones; las imágenes y las cartas de un camarógrafo, Sandor KrasnaKlaatu y Gort en su mensaje a la Tierra; y el paranoico Trelkovsky en su apartamento parisino.   






- "Die Blechtrommel" ("El tambor de hojalata") (1979). Volker Schlöndorff



"Die Blechtrommel" ("El tambor de hojalata") (1979). Volker Schlöndorff




- "Sedmikrásky" ("Las margaritas") (1966). Věra Chytilová


"Sedmikrásky" ("Las margaritas") (1966). Věra Chytilová




- "Das Cabinet des Dr. Caligari" ("El Gabinete del Dr. Caligari") (1920). Robert Wiene


"Das Cabinet des Dr. Caligari" ("El Gabinete del Dr. Caligari") (1920). Robert Wiene




- "Nueve Cartas a Berta" (1966). Basilio Martín Patino


"Nueve Cartas a Berta" (1966). Basilio Martín Patino




- "Les diaboliques" ("Las diabólicas") (1955). Henri-Georges Clouzot


"Les diaboliques" ("Las diabólicas") (1955). Henri-Georges Clouzot




- "Rebel without a cause" ("Rebelde sin causa") (1955). Nicholas Ray


"Rebel without a cause" ("Rebelde sin causa") (1955). Nicholas Ray






- "Der letzte Mann" ("El último") (1924). Friedrich Wilhelm Murnau


"Der letzte Mann" ("El último") (1924). Friedrich Wilhelm Murnau




- "Sans soleil" ("Sin sol") (1983). Chris Marker



"Sans soleil" ("Sin sol") (1983). Chris Marker





- "The Day the Earth Stood Still" ("Ultimatum a la Tierra") (1951). Robert Wise


"The Day the Earth Stood Still" ("Ultimatum a la Tierra") (1951). Robert Wise




- "Le locataire (The Tenant)" ("El quimérico inquilino") (1976). Roman Polanski



"Le locataire (The Tenant)" ("El quimérico inquilino") (1976). Roman Polanski



"Le Procès" ("The Trial") (1962). Orson Welles
Anthony Perkins (Joseph K) 





 La necesidad de arte en el ser humano es una constante antropológica -sin saber en qué medida cultural biológica-. Un hombre respira, come, busca placer y sentido. Así que el arte se sitúa entre el placer y el sentido. La dimensión hedonista del arte -en la perspectiva del espectador- ha generado la industria de producción de bienes "estéticos", que, en el caso del cine, tiene una estructura organizada cuyo máximo exponente es Hollywood. En su dimensión de búsqueda de sentido -o de verdad y liberación-, el arte -en este caso, el cine- ha competido con la filosofía y la religión en la creación de un mundo "metafísico" en el que el espectador se "trasciende" para experimentar la realidad oculta de las cosas. Pero ese mundo fílmico no son conceptos ni palabras sagradas, sino imágenes en el tiempo, una corriente de vida fluyendo paralela a la mirada del espectador.

 Es ésta la dimensión por la que apostamos los que creemos que el cine es un arte, y tiene una influencia en la formación del gusto, de la sensibilidad y una concepción del mundo más plena que el sentido común y la entrega al placer gregario generado por la industria del entretenimiento.

 Hoy convoco a esta serie diez películas más que me han producido esa sensación de "buscador de sentido en el tiempo" a través de las imágenes. Espero que sean de su gusto.



"Le Procès" ("The Trial"(1962). Orson Welles


"Le Procès" ("The Trial"(1962). Orson Welles




"La Grande Bouffe" (1973). Marco Ferreri


"La Grande Bouffe" (1973). Marco Fereri




"A Londoni férfi" ("The Man from London") (2007). Béla Tarr



"A Londoni férfi" ("The Man from London") (2007). Béla Tarr




"El Verdugo" (1963). Luis García Berlanga



"El Verdugo" (1963). Luis García Berlanga





"Brief Encounter" (1945). David Lean


"Brief Encounter" (1945). David Lean





"Francesco, giullare di Dio" (1950). Roberto Rossellini



"Francesco, giullare di Dio" (1950). Roberto Rossellini




"El Baile" (1959). Edgar Neville



"El Baile" (1959). Edgar Neville




"To be or not to be" (1942). Ernst Lubitsch



"To be or not to be" (1942). Ernst Lubitsch





"El Nido" (1980). Jaime de Armiñán



"El Nido" (1980). Jaime de Armiñán




"Kiss me, stupid" (1964). Billy Wilder



"Kiss me, stupid" (1964). Billy Wilder



"Иваново детство" (1962). Андрей Арсеньевич Тарковский
"La infancia de Iván" (1962). Andrei Tarkovski



 De pequeños creíamos que el cine -y también la vida- era la señal que el director daba al inicio del rodaje: "¡Luces! ¡Acción!" Y nosotros, pobres espectadores, éramos los pasajeros de la sombra y la pasión (ese estado pasivo, de "passio", "πάθος", sufrimiento). 

  Ese juego de las luces de la acción y las sombras de la pasión es el juego o el acto de la creación y la consunción. Y el cine es el espejo moderno de la dialéctica entre la lucha y la contemplación. Hay algo extraño en el hecho de unos seres humanos sentados en la oscuridad contemplando la lucha y la acción de unos seres imaginarios hechos de luz. 

 Y esa epifanía, esa huella visible del Creador, es una epifanía estética -y, sin embargo, toda epifanía es sagrada-

 El cine es también el arte de las masas, el de la sociedad mecanizada cinemática. Y hay algo nuevamente inquietante y desasosegador en que esas masas abandonen, por un momento, la fábrica y las barricadas, para, en la quietud oscuracontemplar el movimiento frenético, mecánico y luminoso de sus alter ego.

 Así, en la cuerda tensa de la contradicciónilumina las conciencias ese arte que pasó de los barracones de feria a las pantallas gigantes en tres dimensiones.

 Un arte que expresa lo que la filosofía predijo metáforicamente: la caverna de Platón era el tránsito de una pasión cinematográfica a una acción gnóstica, que culminaba en una epifanía óntica. Y el contraplano de Platón, Nietzsche, espoleó a los audaces para que abandonaran las epifanías ónticas de los trasmundos y emprendieran la acción creadora de valores y poder. Era como si Platón llamase a los espectadores a levantarse de sus pesados sillones obnubilados sus ojos de sombras falaces, y Zarathustra/Nietzsche nos dijera: "vosotros, espectadores de la vida de los dioses, masa pasiva y somnolienta, envuelta en conmiseración y llanto, levantaos, sed como diosessed dioses, vosotros, reídactuadcreadhaceos poderososarrebatad la luz a esos dioses que vosotros creasteis cuando aún no creíais en vuestro podersed directoresnunca más espectadores de la vida de los otros"



"Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922). Friedrich Wilhelm Murnau 



"Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922). Friedrich Wilhelm Murnau 




"Otto e mezzo" (1963). Federico Fellini



"Otto e mezzo" (1963). Federico Fellini





"El Crack" (1981). José Luis Garci



"El Crack" (1981). José Luis Garci




"Der blaue Engel" (1930). Josef von Sternberg



"Der blaue Engel" (1930). Josef von Sternberg




"Иваново детство" (1962). Андрей Арсеньевич Тарковский. ("La infancia de Iván" (1962). Andrei Tarkovski)



"Иваново детство" (1962). Андрей Арсеньевич Тарковский
 "La infancia de Iván" (1962). Andrei Tarkovski




"Calabuch" (1956). Luis García Berlanga



"Calabuch" (1956). Luis García Berlanga




"Летят журавли" (1957). Михаил Константинович Калатозов ("Cuando pasan las cigüeñas" (1957). Mijail Kalatozov)



"Летят журавли" (1957). Михаил Константинович Калатозов
 "Cuando pasan las cigüeñas" (1957). Mijail Kalatozov




"La buena estrella" (1997). Ricardo Franco



"La buena estrella" (1997). Ricardo Franco




"À bout de souffle" (1960). Jean-Luc Godard



"À bout de souffle" (1960). Jean-Luc Godard




"Entre tinieblas" (1983). Pedro Almodóvar



"Entre tinieblas" (1983). Pedro Almodóvar



"Le Mépris" (1963). Jean-Luc Godard
Brigitte Bardot (Camille)




  El año en que nací las estrellas -del cine- aún brillaban: Brigitte Bardot, Sean Connery, Steve McQueen, Claudia Cardinale, Alain Delon, Burt Lancaster, Charlton Heston, Ava Gardner, Audrey Hepburn, Cary Grant, Peter Sellers, David Niven, Ray Milland, Jack Lemmon, Shirley McLaine. Todos ellos llenaban las pantallas en aquel nevado invierno en que nací. Y quienes les dirigían eran maestros como Godard, Hitchcock, Sturges, Visconti, Ray, Fernán-Gómez, Donen, Edwards, Corman, Wilder. ¿No era buena estrella ésta que me guíaba? 

 En esta lista no aparecen otras obras maestras de ese año, que ya incluí en otras entregas de mi Autobiografía Fílmica





- "Le Mépris" (1963). Jean-Luc Godard




"Le Mépris" (1963). Jean-Luc Godard
"El desprecio"




"The Birds" (1963). Alfred Hitchcock




"The Birds" (1963). Alfred Hitchcock
"Los pájaros"





"The Great Escape" (1963). John Sturges





"The Great Escape" (1963). John Sturges
"La Gran Evasión"



"Il Gattopardo" (1963). Luchino Visconti




"Il Gattopardo" (1963). Luchino Visconti




"55 Days at Peking" (1963). Nicholas Ray




"55 Days at Peking" (1963). Nicholas Ray




"El mundo sigue" (1963). Fernando Fernán-Gómez




"El mundo sigue" (1963). Fernando Fernán-Gómez
Estreno en 1965





"Charade" (1963). Stanley Donen


"Charade" (1963). Stanley Donen





"The Pink Panther" (1963). Blake Edwards


"The Pink Panther" (1963). Blake Edwards





"X: The Man with the X-Ray Eyes " (1963). Roger Corman


"X: The Man with the X-Ray Eyes" (1963). Roger Corman






"Irma la Douce" (1963). Billy Wilder


"Irma la Douce" (1963). Billy Wilder




"A hard day's night" (1964). Richard Lester
La primera, y mejor, película de The Beatles






 Si pudiéramos volver a la infancia, ésta sería juego y canciones. Jugando creamos el mundoCantando lo hacemos perfecto. Los inventores del cine jugaron con el tiempodando al movimiento un juego de imágenes. Si en la época de los pioneros, el cine eramudo en la pantalla, no lo era en la sala, donde avezados pianistas de music-hall yorquestinas de cabaret recreaban las canciones con las que nacimos jugando y soñando.

 El cine devino sonoro. Y lo hizo con las canciones de Al Jonson en "The Jazz Singer" (1927). El cine volvió a ser el niño que juega -porque todo juego es movimiento- y canta. Es bellamente profético el pensamiento de Nietzsche cuando asimila el futuro -la superación- de la humanidad con un Super-Hombre (Über-Mensch) que es niño en la inocencia del juego que es movimiento continuo, un eterno jugar, y que esartista -músico- en su eterno cantar.

 En la secreta unidad de las cosas, la gran cadena del ser, el movimiento de los astrosresponde a la armonía y el ritmo de la música. Los antiguos creían en la música de las esferas celestes, como si el movimiento de las estrellas se acompasara a una oculta melodía inaudible para humanos oídos.

 El parmenídeo Platón rechazaba el movimiento como apariencia e imperfección, y, quizás, como Nietzsche nos trasmite, ese resquemor antidinámico, quedó impreso, no sólo en la religión, sino en el arte. La plasmación de la belleza como quietud mística de la escultura, la pintura o, incluso, la poesía, caminaban hacia un mundo despojado de movimiento y música.

 Los niños juegan cantando, cantan jugando, y el cine recuperó esa música del torbellino del devenir. La música como arte del tiempo tuvo en el cine otra dimensión. Ahora quedaba claro aquello que yo decía: cuando veo una película de Fellini cierro los ojos y escucho a Nino RotaFellini juega con las imágenes del sueño y la infancia, mientrasRota canta melodías tristes y juguetonas.




"Ghost" (1990). Jerry Zucker


"Ghost" (1990). Jerry Zucker
Music: Maurice Jarre, The Righteous Brothers




"Lawrence of Arabia" (1962). David Lean


"Lawrence of Arabia" (1962). David Lean
Music: Maurice Jarre



"Il futuro è donna" (1984). Marco Ferreri


"Il futuro è donna" (1984). Marco Ferreri
"El futuro es mujer"
Music: Carlo Savina




"West Side Story" (1961). Robert Wise


"West Side Story" (1961). Robert Wise
Music: Leonard Bernstein. Lyrics: Stephen Sondheim



"A hard day's night" (1964). Richard Lester


"A hard day's night" (1964). Richard Lester
"¡Qué noche la de aquel día!"
Music: The Beatles (John Lennon & Paul McCartney), George Martin



"Amarcord" (1973). Federico Fellini


"Amarcord" (1973). Federico Fellini
Music: Nino Rota



"Tommy" (1975). Ken Russell


"Tommy" (1975). Ken Russell
Music: The Who (Pete Townshend, John Entwistle, Keith Moon)




"Saturno Contro" (2007). Ferzan Özpetek


"Saturno Contro" (2007). Ferzan Özpetek
"No basta una vida"
Music: Neffa



"Paris, Texas" (1984). Win Wenders


"Paris, Texas" (1984). Win Wenders
Music: Ry Cooder



"The Wizard of Oz" (1939). Victor Fleming, George Cukor, Mervyn LeRoy, King Vidor, Norman Taurog


"The Wizard of Oz" (1939). Victor Fleming, George Cukor, Mervyn LeRoy, King Vidor, Norman Taurog
"El Mago de Oz"
Music: Harold Arlen, E.Y. "Yip" Harburg, Herbert Stothart



"Falstaff - Chimes at Midnight" ("Campanadas a medianoche") (1965). Orson Welles
Orson Welles (Falstaff) & Jeanne Moreau (Doll Tearsheet)



 La fragmentación de la información que propicia internet disminuye el conocimiento. La televisión daba -sobre todo cuando sólo había un canal o dos- una visión más completa del mundo. Un único mensaje (cuando sólo había dos canales de tv) permitía el pensamiento discrepante del espectador, pero la multiplicación -ad infinitum- de los mensajes (internet) hace desaparecer la posible crítica o disentimiento moral (categoría usada por el filósofo Javier Muguerza), pues la misma "pluralidad" de mensajes ya daría cuenta de todas las opiniones.

 Los contenidos que circulan por internet son privados de su capacidad emocional básica y su poder conceptual. Y ahí está el cine. Si antes uno salía del cine dándole vueltas a lo que había visto durante hora y media en una sala a oscuras, ahora uno queda colapsado por la sobreabundancia de metralla visual interactiva. 

 Pero en nuestra memoria aún pervive el recuerdo de ciertas obras cinematográficas que aunaron el estremecimiento emocional y la perplejidad reflexiva. Unas películas que vimos en viejos cines que ya no existen y en esa Televisión Española que no tenía competencia. Cuando el mundo tenía menos mensajes pero más libertad. 



"Bienvenido Mr. Marshall" (1953). Luis García Berlanga


"Bienvenido Mr. Marshall" (1953). Luis García Berlanga



"The Woman in the Window" (1944). Fritz Lang



"The Woman in the Window" (1944). Fritz Lang
"La mujer del cuadro"



"Eloísa está debajo de un almendro" (1943). Rafael Gil



"Eloísa está debajo de un almendro" (1943). Rafael Gil



"Dracula" (1958). Terence Fisher



"Dracula" (1958). Terence Fisher



"Ben-Hur" (1959). William Wyler



"Ben-Hur" (1959). William Wyler



"Le thé au harem d’Archimède" (1985). Mehdi Charef



"Le thé au harem d’Archimède" (1985). Mehdi Charef
"El té en el jardín de Arquímedes"



"El hombre de moda" (1980). Fernando Méndez-Leite



"El hombre de moda" (1980). Fernando Méndez-Leite




"Falstaff - Chimes at Midnight" ("Campanadas a medianoche") (1965).Orson Welles



"Falstaff - Chimes at Midnight" ("Campanadas a medianoche") (1965). Orson Welles



"Arsenic and Old Lace" (1944). Frank Capra



"Arsenic and Old Lace" (1944). Frank Capra
"Arsénico por compasión"




"La règle du jeu" (1939). Jean Renoir



"La règle du jeu" (1939). Jean Renoir
"La regla del juego"



"On the Waterfront" (1954). Elia Kazan
Terry Malloy (Marlon Brando) & Edie Doyle (Eva Marie Saint)


Publicar un comentario