jueves, 13 de marzo de 2014

LA PASSION DE JEANNE D'ARC (2). Verónica Diogo. IES Dr Balmis. Alicante


LA PASSION DE JEANNE D'ARC (1928) CARL THEODOR DREYER (2)



Verónica Diogo Varó

2º Bachillerato (Sociología)
Curso: 2013-2014
Profesor: Francisco Huertas Hernández
IES Dr Balmis. Alicante (Espagne)




SEGUNDA PARTE DEL ANÁLISIS DE “LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO” DE CARL THEODOR DREYER. ANÁLISIS FORMAL Y SOCIOLÓGICO




"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer




Análisis formal, técnico y simbólico ( punto de vista, encuadre, tipos de planos, angulación, transiciones, dirección de la mirada y de la escucha, ritmo, fluidez, velocidad, interpretación de los actores)

Para empezar es preciso decir que la vida y muerte del personaje de Juana de Arco ha sido muy comentada y llevada en numerosas ocasiones a la gran pantalla, pero, entonces,¿ Qué tiene de especial la película que nuestro director Dreyer le dedicó a este personaje?

 Pues bien, la respuesta es muy sencilla, la versión que Dreyer realizo en 1928 marca la diferencia respecto las anteriores , pues Dreyer se especializa en el juicio de la joven y en su posterior muerte y todo este proceso lo concentra en tan solo cuatro grandes espacios ( La sala del tribunal, la celda, el cementerio y la plaza pública).

 Con todo esto cuenta con el extraordinario trabajo del fotógrafo Rudolph Maté que gracias a su dominio de la fotografía hace que el film tenga duras secuencias formadas por primeros planos que adquieren gran dramatismo en la gran pantalla además con un montaje rítmico en la alternancia de fotografías de los jueces con Juana, para crear mayor grado de tensión en un constante juego de miradas que busca los valores del espíritu humano a través de los rostros de los personajes.




"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer



 Por otro lado para destacar la expresividad de los actores, Dreyer utiliza un tipo de película pancromática que potencia las rugosas epidermis y las muecas de los jueces frente al rostro de Juana, todo ello sin necesidad de maquillaje ( esto impacta bastante en la película)

 Utiliza un lenguaje rítmico que aumenta la tensión y el dramatismo mediante planos picados para Juana y contrapicados para los jueces, todo ello como recurso para mostrarnos el sufrimiento y la angustia de la protagonista la cual está por debajo, porque esta siendo juzgada y entablando una conversación con el público.

 Utiliza los movimientos de la cámara en combinaciones de largos travellings y panorámicas para realizar un montaje creativo.




"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer


 Para no desviar la atención de los personajes Dreyer utiliza la simplicidad escenográfica con un predominio de superficies blancas y negras evitando excesos decorativos.

 Busca el realismo en los actores y utiliza la metáfora para relacionar la esperanza con la juventud y la belleza no solo externa sino, también espiritual y la injusticia la expresa a través de la fealdad de los jueces.



"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer


 "El artista debe describir la vida interior, no la exterior. La facultad de abstraer es esencial a toda creación artística. La abstracción permite al realizador franquear los obstáculos que el naturalismo le impone. Permite a sus filmes ser no solamente visuales, sino espirituales"


Análisis conceptual (sociológico)


a) aspectos de la acción social de los personajes en su entorno: expectativas, rol, sanción, socializacion, variación y desviación social, valores, cultura, ideología, agentes de socialización ...etc


 En esta película se trata, sobre todo el castigo social a una joven (Juana de Arco) por seguir sus ideales y su ideología y no mentir acerca de lo que piensa ni pasarse al bando contrario por salvar su propia vida.

 Pues bien , en primer lugar la película se centra en el “juicio de valor” que se le hace a la protagonista Juana, en el cual, los jueces que son los de la Santa Inquisición, intentan obligar por el medio de el temor y la amenaza a Juana, para que niegue que todo lo que ella hizo fue mandato de Dios.

 Es aquí donde claramente diferenciamos dos tipos de roles; Por un lado el de la Santa Inquisición, que tienen el claro papel del temor del poder político, cultural de la época, es decir, la religión.

 Para representarlos como el bando malo, Dreyer los marca claramente feos, con rasgos muy desgastados ( gordos, arrugas, miradas malvadas e inquietantes.. ) aquí también hablaríamos del termino de conciencia colectiva de la acción social, que es cuando un grupo de personas tienen un modo determinado de obrar y pensar según en el entorno en el que se encuentren, por tanto, el tribunal de la Inquisición de alguna manera obraban y pensaban por el simple hecho de pertenecer a ese grupo, pues recordamos en que aquella época a la que se refiere el film quien no obraba a favor de la iglesia se veía condicionado a sufrir una cantidad de represalias verdaderamente atroces . 



"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer



 En segundo lugar hablamos del otro lado de la película, en la que nos hace llegar el temor, la persecución, la fuerza de pensamiento... etc este lado nos lo muestra muy fácilmente. Aquí la protagonista Juana, que como es el lado de la moralidad, la pureza, el ser indefenso y maltratado, nos la representa inocente y dulce pero a la vez con unos grandes matices de angustia que hacen que el espectador se estremezca al verlos. Aquí es donde vemos el rol de la ejecutada a muerte y en este aspecto hablamos de conciencia individual , pues nuestra protagonista sigue sus propios valores e ideales y afronta su porvenir con decisión a pesar de saber el tipo de torturas a la que será sometida. Juana muestra unos claros pilares de conducta propia y personal al igual que su propia manera de actuar, es por lo tanto lo que la hace uno de los personajes históricos mas famosos.

Por último clasificamos los diferentes tipos de clases sociales y etapas:

 El campesinado o la baja sociedad; en esta época considerados un movimiento de masas completamente nulo, vivían bajo el temor y las ordenes de la política y con esta de la inquisición, ademas observamos en la película el morbo y la adrenalina que poseen el campesinado al ser ejecutada Juana, en cambio cuando esta en plena muerte, vemos el lado mas humano de esta clase social, la cual simplemente usa como máscara y escudo la frialdad para salvarse de las garras de la política y la inquisición. Es el propio miedo quien guía sus actos perversos y morbosos al querer ejecutar a un ser humano por el simple hecho de seguir sus ideales.

 Por otra parte la clase media baja; es a la que hace referencia nuestra protagonista Juana y los “trabajadores” de la Santa Inquisición. Con ellos nos referimos a los encargados de ejecutar las torturas que la inquisición ordenaba. En esta clase esta claro el intento de demostrar sus pensamientos e ideales, se hace patente en la reiterada negación al pacto que le ofrecen a Juana y la compasión que le tiene un fraile a nuestra protagonista. Sin embargo, esta clase siempre quedara resignada a la ordenes de la gran clase alta.

 En ultimo lugar, la clase alta; en esta pelicular representada como la Santa Inquisición, esta clase esta guiada directamente por el entorno social en que se encuentra y se muestran cerrados y tajantes respecto a sus actos, ya sean racionales o irracionales. Llegaran a donde sea preciso por obtener lo que desean y por no perder su poder. Esta clase esta claramente representada por los miembros del tribunal.



b) Aspectos de la organización social mostrados en la película: 



 En esta película hablamos de un tipo de sociedad tradicional, la cual, según Marx, dejó claro la caracterización de que el tipo de personas o grupos sociales no interaccionaban de la misma manera entre distintos grupos sociales y también que estos grupos sociales tenían modos de vida y trabajos muy distintos entre si. En la película se muestra clara la separación; nobleza, clero, burguesía y campesinado.

 En cambio por otra parte Comte considera necesario que en la sociedad haya distintas clases de trabajadores y siguiendo por esa trayectoria personas que dirijan y personas que sean las dirigidas.


c) Aspectos de cambio social reflejados en la película:

 En esta película lleva un claro poder dominante la critica hacia una sociedad dirigida por el temor de la Inquisición,ante la cual no podían rebelarse. Nacías pobre y te morías pobre. Esa seria tu vida y no podría cambiar sino bajo excepcionales circunstancias.

 Muestra la clara rebeldía de una joven, a la cual obligan y torturan a declarar algo que va en contra de sus propios ideales y que por ello es un claro ejemplo de motivación personal hacia el logro de tus pensamientos y objetivos a pesar de las duras represarías que tengas en un futuro.

 También muestra el paso del tiempo desde que eres declarada hereje e infiel, a una religión que en nada tiene que ver a la dictada por nuestro señor Dios, hasta que llega tu final fatal en la horca, hoguera o muerte por tortura. Este final es un final que no se puede cambiar y en esta película hace que el espectador que la visiona se sienta completamente transportado a la angustia de nuestra protagonista y a la vez a la impotencia que ésta conlleva


APARTADO 5. APRECIACIÓN

 Primer apartado: conclusión personal de grupo sobre la película (trabajo de directos, actores, guión, fotografía, música, temas tratados e interpretados por el espectador- analista. Belleza y emoción de planos, escenas, secuencias, títulos de crédito, banda sonora, interpretación )

 En este primer apartado voy a comentar desde una humilde opinión personal las obras maestras del cine de “La pasión de Juana de Arco" y “Ciudadano Kane"

 En primer lugar voy a comenzar comentando la película de la “Pasión de Juana de Arco”, comenzaré diciendo que la vida de Juana de Arco y su asombroso juicio ha sido muy comentado en la gran pantalla , pero la diferencia entre otras películas y la de Dreyer, es que se centra en el juicio y en su posterior muerte y en tan solo en cuatro espacios, lo cual es asombroso. Con el trabajo del húngaro Rudolph Maté, nuestro director Dreyer representa con una asombrosa fotografía el dramatismo y la tensión contada en la película. En general sin mas preámbulos, la película de la pasión de Juana de Arco es, toda en sí, extraordinaria, capaz de retransmitir unas emociones intensas y dramáticas respecto del personaje protagonista.

"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer
Carl Theodor Dreyer, director; Rudolph Maté, cinematographer; Maria Falconetti, starring


 Por otro lado respecto a la película "Ciudadano Kane” es otra de las grandes películas del cine, pues reúne varias condiciones excepcionales, pues se trata de una película que media entre lo clásico y lo moderno además de que posee una complejidad muy destacada en la enunciación y la vertebración del relato que nos cuenta, respecto a lo temporal.

 Por otra parte utiliza recursos estéticos de tipo visual y sonoros muy plurales y destacando que se trata de una de las películas más estudiadas y comentadas en la Historia del cine.

 Y también me parece un esplendido trabajo el modo en que se cuenta la película, utilizando flashbacks en los cuales va recordando la vida del protagonista.



Segundo apartado: ¿ Por qué estas películas son obras maestras según el grupo y según la crítica ?
 Respecto a “La pasión de Juana de Arco” está clarísimo que es una gran obra por el uso del dramatismo y de la intensidad de emociones de los personajes, lo que hacen de esta película que sea única entre tantas.

 Por otro lado en la película “Ciudadado Kane” guste más o guste menos no podemos negar que es una de las películas más estudiadas y comentadas en la Historia del cine y por tanto se merece la catalogación de obra maestra del cine.


COMENTARIO DE “FRESAS SALVAJES


 Podría decirse que es esta una de las mejores películas de uno de los realizadores más prolíficos, existenciales y genios del séptimo arte: Ingmar Bergman. Aunque el realizador sueco siempre repetía muchas de sus obsesiones en sus filmes (la muerte, la angustia de la vida, el amor y las relaciones personales, el miedo a la soledad, la hipocresía y frustración del matrimonio, la religión, el absurdo vital, el más allá…) es quizá Fresas Salvajes una de las que mejor refleja lo gran director que era Bergman.

 La película está cargada de gran contenido filosófico, abarcando los temas predilectos de Bergman; como lo es, la vida, la muerte y sus circunstancias, el amor, la compasión etc. El mundo onírico juega aquí un papel fundamental en el desarrollo del metraje. Los recuerdos del profesor hacen de alguna manera que aquella alma insensible y desprovista de toda humildad sea más indulgente; al darse cuenta de la pérdida de su amor, en aquella lejana casita cerca del lago, se da cuenta de su carácter egoísta y despreocupado.

 No falta el dilema existencial, Misticismo y Racionalismo, o más bien, Religión y Ciencia esquematizado por los jóvenes que acompañaban a Sara. En fin, una película exquisita en toda la extensión de la palabra, una obra antagónica del cine clásico de Bergman.


b) ¿Por qué esta película es una obra maestra según el grupo y según la crítica?

 Por su mensaje esperanzador ya que el final es feliz y positivo, concluyendo que la vida sólo tiene sentido si se basa en el amor hacia los seres queridos. Bergman consiguió con esta película una obra perfecta, sencilla y directa, que atrapa al espectador y le hace revisar sus ideas sobre los temas que le preocupan. Así de esta forma da a entender que somos todos demasiado centrados en nosotros mismos para detenernos a amar realmente a los demás. La muerte es la única certeza de nuestra existencia, y sólo ante ella el ser humano se da cuenta de sus limitaciones. El profesor finalmente encuentra descanso en su interior, y así lo demuestra cuando, feliz y en paz consigo mismo, le afirma a su hijo que su corazón ya se encuentra perfectamente. De manera que hace las paces con su propio ser y con los fantasmas de su pasado, y Bergman simboliza este hecho en la preciosa escena final, en la que el profesor se despide de sus padres, quienes se encuentran a la otra orilla de un lago, separados de él por una distancia que ya nunca se podrá acortar.


Comentario sobre la película “Ladrón de Bicicletas

 
 A medida que vuelves a ver esta película, se mejora la opinión sobre ella, aunque la existencia de tristeza nos parezca algo desagradable a la hora de volverla a ver. El dolor que causa no es agradable por ver la impotencia y el sufrimiento de personajes que se sabe que existieron en gran cantidad, sin poder hacer nada.

 Es duro cómo un niño tiene que trabajar y cómo un padre tiene que sacar adelante a su familia con tanta mala suerte. Pero todo ello te hace recapacitar en lo fácil que es la vida de hoy en día, es decir de una familia media; las comodidades de una casa, que no sólo las personas de esos años no tenían, sino que tampoco valoramos a los demás y no nos preocupamos del vecino y viceversa.

 También hace pensar en que al final, en las guerras siempre acaban pasándolo mal, los más pobres.

 La ambientación es muy buena, tanto que llegas a imaginarte cómo era la gente entonces, sus ropas, costumbres…


 Para nosotros, Cuentos de Tokio es una obra de arte en todos los sentidos, es decir, es el séptimo arte en estado puro. Tokyo monogatari es una historia muy humana. Contiene una gran cantidad de aspectos de la vida cotidiana que a veces puede hacer que sea difícil de seguir, porque puede parecer un poco lenta. Sin embargo, creemos que el haber tenido paciencia nos ha dado una gran recompensa, que es el haber podido disfrutar de esta película y poder haber visto esas técnicas tan propias de Ozu. Pensamos que el trabajo de Ozu como director, es espectacular, su manera de contar las cosas es tranquila, pero eficaz. La película está hecha de una manera tan natural que al verla, a nosotros como espectadores nos transporta dentro de la pantalla, pudiendo ver a la familia como a hurtadillas, incluso pudiendo sentir lo que ellos sienten. Poco a poco, los pequeños detalles y pequeños incidentes se acumulan, hasta escenas como la de Noriko y su confesión de la soledad que siente, que crean una empatía abrumadora. Es más, hay momentos en la historia de Tokio en las que nos hemos sentido golpeados con una pared de emociones, sorprendidos y abrumados por una película simple pero que a la vez es capaz de evocar todos esos sentimientos. Los silencios y la escasez de diálogos, en ningún momento son incómodos, sino al revés, te hacen llegar más a la historia, sentirla. Ozu no hace una película sensiblera, que nos hace tirar de nuestros sentimientos para provocarnos las lágrimas, no, él simplemente nos muestra una transformación idealizada a través de las etapas de la vida, nos muestra la vida creando como una especi de espejo. No hay personajes malos o buenos, solo declaraciones y descripciones sobre la vida en el estilo más monumental sin adornos. No hace falta millones de movimientos de cámara y planos, para que esta sea una de las mejores películas jamás hechas. Cuento de Tokio es una película que deja un profundo impacto en nosotros, y que incluso nos hace cambiar nuestra manera de ver las cosas, la vida y la familia.


 Viridiana, es otro clásico del cine, donde Buñuel hace repaso de las debilidades del hombre a través de una historia de amor, celos, avaricia, compasión, ira, lujuria... Consideramos que es un film con una fuerza inigualable, por su extraordinario guion, por las increíbles actuaciones o por el gran número de símbolos, escenas y matices que nos sugieran todo tipo de lecturas. Todo esto le otorgan al film, para nosotros, una riqueza inigualable. Buñuel crea, a partir de secuencias disparatas, que nada tienen que ver unas con otras, una historia sólida, libre y tensa. En esta película que trata temas tanto el de los vicios de la mala religiosidad, como el de la representación de la miseria humana, ya que ningún personaje se salva, todos son títeres decapitados al final, incluida la compasiva Viridiana que podemos ver su cambio en la escena final de la película. Luís Buñuel es un impresionante director, porque una de las grandezas de su cine, es que el narra la historia, haciendo que el trabajo de reflexionar quede para nosotros. En nuestra opinión, lo que más destaca de Viridiana son las actuaciones de los personajes que son espléndidas, el magnífico y negro retrato de los pobres, y la parodia final del cuadro de “La última cena”. Ya simplemente es impresionante ver como en escasos 90 minutos, Buñuel es capaz de desarrollar tantas cosas de la vida y como es capaz de mezclar el drama con humor, y cortando el humor con la realidad cruel. También con respecto a la parte técnica, podemos decir que el manejo de la cámara y el juego con las luces y las sombras está cuidadísimo, así como el intercalado de determinadas imágenes que enfatizan la escena principal de una manera potente. Para nosotros, Viridiana es una obra de arte, cautivadora, extraña, provocativa y repleta de fuerza. 


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